Neue Stücke und sogar Urauf-führungen fanden ihren Weg sogar in Sinfoniekonzerte statt bloss in Werkstattkonzerte für ausgesuchte Liebhaber und Spezialisten. So ehrte das Luzerner Sinfonieor-chester, das im Übrigen in den letzten Jahren einen fulminanten Aufstieg mit Konzerten in den USA und China verzeichnet, und seinem

jungen Dirigenten James Gaffigan den Komponisten Wolfgang Rihm zum 60. Geburtstag mit der Urauf-führung von „Nähe – fern“. Es ist ein Auftragswerk der Luzerner, auch das erstaunlich, mit vier Orchester-stücken die gleichsam die vier Sin-fonien von Johannes Brahms kom-mentieren und die erstmals als Ganzes in einem Konzert erklangen. Seit einigen Jahren erklingt auch jeweils in einem Konzert des Cleve-land Orchestra ein Auftragswerk der „Roche Commissions“, dieses Jahr „Chute d’Étoiles“ von Matthias Pin-scher.

Farbenreiche Orchestermassen

Das Lucerne Festival Academy Orchestra, eine Grossformation aus über 120 jungen Teilnehmern der Academy studiert jedes Jahr unter Pierre Boulez und anderen Dirigen-ten wie Peter Eötvös Stücke des 20. und 21. Jahrhunderts ein. In einem denkwürdigen Konzert unter Eötvös spielte es „Terre d’Ombre“ von Tris-tan Murail, ein überaus farbenrei-ches Stück des französischen „Spektralisten“, sowie ein ein-drucksvolles Konzert mit dem Titel „Shadows“ für Flöte, Klarinette und Orchester von Peter Eötvös. Eindrücklich danach im gleichen Konzert die sehr aufwendige und daher selten aufgeführte vierte Sinfonie von Charles Ives für gros-ses Orchester, Chor, Nebenorches-ter und Hintergrundchor.

In einem weiteren Konzert des Academy

Orchestra, welches der junge Brite Clement Power anstelle des an einer Augenentzündung leidenden Pierre Boulez leitete, kamen von Philippe Manoury „Sound and Fury“ für grosses Orchester und von Jonathan Harvey „Speakings“ für grosses Orchester und Live-Elektro-nik zur Aufführung. Beide fast halb-stündigen Stücke liessen die gros-sen Orchestermassen, bei Harvey angereichert durch Elektronik, viel-fältig und differenziert, beide mit literarischem und spirituellem Hin-tergrund erklingen.

Künstlerische Reife

Bei den Débuts sei das Rezital des jungen Schweizers mit rumänischen Wurzeln Teo Gheorghiu erwähnt, der als 13-jähriger im Film „Vitus“  von Fredi Murer schauspielerisch und pianistisch für Aufsehen sorgte. In einem sehr geschlossenen Programm mit einer Sonate von Alexander Skrjabin, den „Images“ von Claude Debussy und „Vallée d’Obermann“ aus den „Années de Pélerinages“ von Franz Liszt zeigte der nun 21-Jäh-rige höchst erfreuliche künstlerische Reife. Und schliesslich ebenso eindrücklich war das ebenso in sich geschlossene Programm des französischen Pianisten Pierre-Laurent Aimard mit dem zweiten Band von Debussys „Préludes“, zwei Stücken von Franz Liszt und  zwei Stücken aus „Vingt Regards sur l’Enfant-Jésus“ von Olivier Messiaën, das erstaunliche Parallelen zwischen den Komponisten aufzeigte.

Unmöglich für einen Einzelnen, die Vielfalt und Fülle der Veranstal-tungen des Som-merfestivals einzufangen. So beschränkt man sich auf einzelne Aspekte, mögli-che Interpretations-Highlights, Uraufführun-gen neuer Werke, Vorstellung junger, vielverspre-chen-der Musiker, möglicherweise kommende Fixsterne am Musik-firmament.

Intendant Michael Häfliger verkündete zwar am Freitag einen Erfolg des Festivals mit 95 200 Besuchern für insgesamt 114 Veranstaltungen. Er meinte aber doch auch, dass der Ausbau des Festivals an Grenzen stösst. So war die Anzahl der Sinfonie-Konzerte grösser als im Vorjahr, dafür die Auslastung etwas geringer. Eine Weiterentwicklung muss daher eher in der Vertiefung als in der Ausweitung des Angebots gesucht werden. Das Festival Academy Orchestra unter Pierre Boulez wird im Oktober in Mailand und Turin, Paris und Amster-dam, München und London gastieren, Baden-Baden, Paris und London sind die Stationen der diesjährigen Gast-spielreise, die Claudio Abbado und das Lucerne Festival Orchestra im Herbst 2011 antreten.

Nacht unerer Seele

Am Freitag war die Premiere  der Kammeroper „Nacht“ des diesjährigen Composer in  Residence Georg Friedrich Haas, von dem unter anderem drei seiner sieben Streichquartette sowie am letzten Samstag drei weitere Werke zu hören waren.

Das Werk basiert auf Texten von Hölderlin,

die der Komponist aus Theater-stücken, Schriften und Briefen zusammengestellt hat und handelt vom Verlust aller Uto-pien, „eine Nacht unserer Seele“. Sechs Personen singen, rezitieren, agieren auf der kleinen einfachen Bühne, sind aber eigentlich alle Hölderlin. Ein Orchester aus Studenten der Musikhochschule Basel mit auf-fallend viel Perkussion, geleitet von Jürg Henneberger, liefert die musikalische Untermalung, die gleichzeitig Kommentar und Dar-stellung der Emotionen ist und agiert zwischendurch auch als Sprechchor in einer einfach raffi-nierten Inszenierung von Désirée Meiser.

Àussere und innere Schönheit

Vergangene Woche spielte die Geigerin Julia Fischer mit dem London Philharmonic Orchestra unter Vladimir Jurowski das einsätzige Violinkonzert mit dem Titel  „Mar'eh“ von Matthias Pintscher zum ersten Mal. Ein filigranes Werk, vom Komponisten „der äusseren und inneren Schönheit von Julia Fischer und ihrem schlanken, reinen Geigenton und den Dirigenten schien schwer zu übertreffen an Sorgfalt der Farbabstimmungen.

Vladimir Jurowski gehört zu den steil aufstrebenden Dirigenten. In Werken, die dem Prometheus-Thema gewidmet waren von Beethoven, Liszt und Skrjabin zeigte er auch Ecken und Kanten, manch-mal auch eine gewisse Härte.

entgehen. Zum Einen betörte ab den ersten Sekunden der Klang der Wiener in dem frühen Stück „Les Offrandes oubliées“ von Olivier Messiaën. In der „Unvollendeten“ von Franz Schubert bemühte sich der Dirigent mit Erfolg um „weiche“ Akkordschläge und auch sonst war die differenzierte Dynamik eine Ohrenweide, ganz ohne Schubert zu verharmlosen.

Abgestimmtes Klangfest

Ein fein abgestimmtes Klangfest waren die beiden anderen franzö-sischen Werke, „Nocturnes“ von Claude Debussy mit dem exzellen-ten Frauenchor der neugegründe-ten Singakademie Zürich und „Daphnis und Chloé“ von Maurice Ravel. Nur gerade im mitreissenden Schluss des Bacchanale gingen dem überzeugenden Dirigenten das Tem-perament durch und da wirkte es etwas knallig.

Der spanisch-französische Abend mit Zubin Mehta und dem Israel Philharmonic Orchestra konnte da in keiner Hinsicht mithalten, da fehlte es an fast allem, vor allem an de-taillierter Klangbalance, Farbab-mischung und letztlich am Parfum. Nichts auszusetzen dagegen bei Sir Simon Rattle und den Berliner Phil-harmoniker in der Siebenten Sinfo-nie von Gustav Mahler. Da war im Grossen wie im Kleinen alles da und alles am richtigen Ort und dazu in einem vollkommenen Bogen. Ein Erlebnis und wohl eines der wirkli-chen Ereignisse des diesjährigen Luzerner Sommers.

Sogar ein Strassenmusikfestival findet im Rahmen des grössten Klassik-Festivals der Schweiz statt. Am Dienstag wurden die acht ausgewählten Gruppen, die während sechs Tagen die Plätze Luzerns musika-lisch beleben, an einem Konzert auf dem Europa-Platz vor dem KKL vorgestellt. Anschliessend ging’s in den Konzertsaal, um den Brahms-Zyklus des Dirigenten Bernhard Haitink mit dem European Cham-ber Orchestra zu verfolgen. Seit Herbst 2010 führt Haitink mit dem mit zehn bis zwölf ersten Violinen eher klein besetzten Orchester sämtliche Sinfonien, Ouvertüren und Instrumentalkonzerte des Komponisten auf.

Transparente Polyphonie

Bewusst verzichtet Haitink auf die grosse philharmonische Besetzung und wählt die Grösse der Meininger Hofkapelle, welche die Werke von Brahms seinerzeit unter Hans von Bülow aufgeführt hatte. Die Polyphonie komme so klarer zum Vorschein ist seine Überzeugung, die man absolut teilen kann. An diesem Abend standen die Akademische Fest-Ouvertüre, drei Bearbeitungen von Schubert-Liedern und die dritte Sinfonie in F-Dur auf dem

Programm. Eine Entdeckung war der kurze Auftritt des Baritons Hanno Müller-Brachmann. Und wie kaum anders zu erwarten, war die Dritte von Brahms ein Erlebnis, weil die reichverzahnte Motivik dieser Sinfonie beispiel-los heraus gearbeitet  und der Klang dazu zwar transparent, aber auch beseelt und vielfältig gefärbt war.

Verschwenderische Musikalität

Über die Mittagszeit war in der Lukaskirche der Cellist Elschenbroich mit dem Pianisten Alexei Grynyuk eine weitere Entdeckung. Unfehlbare Technik, ein wunderschöner Klang und eine verschwenderische Musika-lität verband die beiden jungen Musiker in Werken von Claude Debussy, Robert Schumann und der grandios emphatisch gespiel-ten Sonate von Sergej Rachmaninov.

Erschreckend und packend

Unübertrefflich am Sonntag zuvor das Hagen-Quartett in Fugen aus Bachs „Kunst der Fuge“, der schweizerischen Erstaufführung des 6. Streichquartetts von Georg Friedrich Haas, dem diesjährigen „Composer in Residence“, und dem letzten Streichquartett von Franz Schubert. Das Werk von Haas ist eine

zwanzigminütige Abfolge von Trillern, Tremolos und Glissandos, in der manchmal faszinierend, gelegentlich auch bis ins Absurde die Klangsprache aufgelöst wird. Bei Schubert finden sich ja Ansätze dazu, jedoch ist Schuberts „späte“ Tonsprache, der damals noch verkannte Schöpfer war gerade 29 Jahre alt, erschreckend und packend zugleich. Zumal das bis aufs Letzte eingespielte Hagen-Quartett sowohl die Schroffheiten wie die unendlich zarten Seiten dieses gewaltigen Werks unbeschreiblich und wohl un-übertrefflich, beglückend und „aufregend“ zum Ausdruck brachte.

Behäbiger Beethoven

Nicht viel mehr als Pflichtübung erwies sich der Besuch des Konzerts mit dem West Eastern Divan Orchestra unter Daniel Barenboim, welches das ungleiche Paar der fünften und sechsten Sinfonie von Beethoven aufführte. Das Projekt des aus israelischen, palästinensischen, arabischen und spanischen jungen Musikern gebildeten Orchesters ist als Idee höchst erfreulich. Barenboim musiziert mit den an sich qualifizierten In-strumentalisten aber einen etwas bombastischen, heldenhaften, gemächlich behäbigen und oft  wenig transparenten Beethoven.

Die erste Sinfonie von Brahms gilt als Fortset-zung der Sinfonik Beethovens, den man im 19. Jahrhundert vor allem in der heroischen Perspektive sah. So gilt auch immer noch Brahms als knorrig und nordisch düster. Bernard Hai-tink führt die Sinfonien und Konzerte von Brahms seit letzten Herbst mit dem Chamber Orchestra of Europe auf, das „nur“ mit zwölf ersten Violinen antritt. Man erwartete deshalb auch einen leichteren, transparenten und weniger wuchtigen Brahms. In der ersten Sinfonie wurde diese Erwartung nicht wirklich erfüllt, denn schon die Einleitung und der ganze erste Satz waren dann doch recht gewichtig. Eine gute und vom Publikum bejubelte Auf-führung war es dennoch.

Hell-dunkel, schwer oder leicht

Die Brüder Renaud und Gautier Capuçon spielten im gleichen Programm das Doppelkonzert a-moll für Violine, Violoncello und Orchester. Sie sind unter sich und mit Brahms auch aus der Kammermusik aufs intimste ver-traut. Trotz einem Saitenriss des Violinisten im ersten Satz, der ohne Unterbruch „überbrückt“ wurde, und trotz der Verschiedenheit der Brüder (der Ältere eher reserviert, der Jüngere jovial und generös) war ihre Gestaltung fas 

zinierend und aus einem Guss. Das Orchester sehr sinfonisch und gelegentlich die Solisten etwas überdeckend.

Das Violinkonzert und die zweite Sinfonie, beide in D-Dur und in der gleichen Periode entstanden, gelten als hell und licht, obwohl beide Werke auch dunklere Töne aufweisen. Schöner als es Leonidas Kavakos tat, kann man das Konzert kaum spielen. Man bewundert immer wieder die makellose Reinheit sei-nes Spiels und den wundervollen, nicht expressiv überladenen Ton, bei aller Leidenschaft die er auch im ungarisch gefärbten Finale entwickelte. Im Mittelteil des Adagios wäre vielleicht doch ein bisschen mehr Ab-gründigkeit gefragt. Die Sinfonie wiederum in jeder Beziehung tadellos, herrlich in Klang und Durchgestaltung.

Weniger ist oft mehr

Am ersten Tag des Dirigierkurses nahm Haitink mit sieben als aktive Teilnehmer zugelassenen Kandidaten die vierte Sinfonie in e-moll durch. Zwei junge Dirigenten und eine Dirigentin durften einen ganzen Satz ohne Unterbrechung durchspielen, und es waren nicht zufällig die Teilnehmer, die den reifsten Eindruck hinterliessen. Darunter ein blutjun-

ger Russe, aber alle mit gründlicher Schulung und bereits etlicher Erfahrung vor grossen Orchestern. Auch ein fast dreissigjähriger Spanier und die einzige, aus Rumänien stammende, Frau hinterliessen positive Eindrücke sowohl hinsichtlich Begabung wie auch Können. So ging es bei den Lektionen nicht um elementare Fragen, sondern um Tempo-nüancen, Übergänge und vor allem um eines: Ökonomie der Bewegungen. Keine unnötigen Körpereinsätze, weniger grosse, dafür genaue Bewegungen der rechten Hand. „Lasst das Orchester spielen und greift bloss ein, wenn ihr besondere Akzente setzen wollt, macht das Meiste mit der rechten Hand und setzt die Linke dort ein, wo es Sinn macht“, waren die meisten Ratschläge. Einige der Teilnehmer sind be-reits in Stellungen als Assistent-Dirigenten, leiten kleinere Ensembles oder haben selbst Erfahrung als Orchestermusiker. An den folgenden zwei Tagen wurde an der Vierten von Bruckner und dem Orchesterkonzert von Bela Bartok gearbeitet. Der Dirigierkurs des 82-jährigen Maestro Bernard Haitink wird in den kommenden zwei Jahren fortgesetzt.

Die Bezeichnung Tonkünstler ist einerseits beinahe archaisch und stammt noch aus dem 19. Jahrhundert. Heute ist sie fast pro-phetisch, bezeichnet sie doch kreative Mu-siker aus allen Sparten, die Komponisten, Improvisatoren und neuerdings sogar wieder die Volksmusiker, welche aus altem Musikgut Neues schöpfen.

Am Wochenende kamen alle in verschiede-nen Luzerner Sälen zum Zug: die Improvi-sierenden, das musikalische Theater und auch die „Tanzmusik“ die auf Volksmusik zurückgreift, am Samstag im Südpol, einem Raumgebilde, das verschiedenen Sparten und Richtungen dient. Im Luzerner Saal des  KKL am Samstagvormittag und Sonn-tagnachmittag die Kammermusik und En-semblemusik, vertreten durch das Collegi-um Novum aus Zürich und die Bratschistin Anna Spina. Im grossen Saal des KKL am Sonntagvormittag die grosse Orchestermu-sik mit der Basel Sinfonietta und zum Schluss die Vokal- und Orgelmusik am Sonntagabend in der Hofkirche.

Die Konzerte waren alle in das Gesamtpro-gramm des Lucerne Festival eingebettet, ganz im Sinne der Programmpolitik wie sie Intendant Michael Häfliger seit Jahren er-folgreich befolgt. Es gibt einerseits die Rei-he „Lucerne modern“ im Festival, die mit neuer und neuester Mu-sik aufwartet, dann die Kurse für  zeitgenössische Interpreta-

tion, welche Pierre Boulez als Mentor ha-ben und die ins Festivalprogramm  aus-strahlen und schliesslich die Sinfoniekon-zerte, in denen sowohl die klassische Mo-derne wie auch Uraufführungen, oft in Verbindung mit Kompositionsaufträgen, ihren festen Platz haben.

Preis für einen Stillen

Am Sonntagnachmittag wurde anlässlich eines gemeinsamen Empfangs von Lucerne Festival, Tonkünstlerverein und der Stift-ung Pro Helvetia der diesjährige Preis Margerite Stähelin, der frühere Tonkünst-lerpreis an den Komponisten Franz Furrer-Münch vergeben. Der 86-jährige Kompo-nist konnte aus gesundheitlichen Gründen den mit zwanzigtausend Franken dotierten Preis nicht persönlich entgegen nehmen. Er gehört – wie Roman Brotbeck im Pro-grammheft schrieb – zu der Kategorie der Aussenseiter, wie sie die schweizerische Komponistenszene in reichem Ausmass aufweist, zu den Verweigerern des Modis-chen und „Angesagten“. „Er arbeitet unbe-

Die Orchesterwerke am Sonntagvormittag

im grossen Saal des KKL waren meist prä-tentiöser, sowohl Martin Jaggi in „Mo-loch“ für grosses Orchester wie Nadir Vas-sena in „altri naufragi“ und vor allem Michael Wertmüller in „Zeitkugel,“ einem dreisätzigen Konzert für Klavier/Orgel und Orchester richten mit der grossen Kelle an. Die Basel Sinfonietta unter der Leitung von Stefan Asbury verhalfen den Werken und den Komponisten zu etlichem Beifall. Das Klavierkonzert in dem der brillante Solist Dominik Blum im dritten Satz auf die grosse Konzertorgel wechselte war das wirkungs-vollste, aber auch das bombastischste Stück und strafte die Einschätzung Lügen, dass Schweizer Komponisten „eine Skepsis gegenüber dem Erzählenden und dem über-wältigenden Espressivo“ hätten. Eine Aus-nahme bildete eine Art Kollektivimprovisa-tion mit dem Perkussionisten Fritz Hauser und Mitgliedern des Orchesters mit Ge-räuschen die aus dem Nichts kamen und wieder im Nichts verschwanden und eine magische Wirkung ausübten.

Intimer ging es am Nachmittag zu, als Anna Spina auf der Viola und mit ihrer Stimme Werke der chinesischen Komponistin Xu Yi, von Kathrin Frauchiger, Michel Roth und Gérard Grisey, zum Teil aus dem Pro-jekt „trois femmes“ das im Rahmen des Kulturprogramms „China 2008 – 2010“ von der Pro Helvetia ausgezeichnet wurde.

Der 1986 in der Ukraine geborene Andriy Dragan erhielt den „Prix Credit Suisse Jeunes Solistes“ in der Höhe von 25 000 Schweizer Franken. Er stellte sich im Luzerner Casineum mit einem Programm aus Schubert, Bartok und Prokofieff vor. Sein eigener Klavierklang ist körperhaft und cantabile, seine Interpretation von Schuberts „Wandererfantasie“ D 760 auch schnörkellos aber vertieft. Er legt den Schwerpunkt nicht auf die dem Werk auch innewohnende Virtuosität sondern auf die Geschlossenheit der Form, in einem viersätzigen Stück, das als Vorbild für Schumann und Liszt und weitere Romantiker für eine Sonatenform mit thematischer Einheitlichkeit diente.

Die fünf Stücke „Im Freien“ von Bela Bartok erfuhren eine ähnliche Behandlung, nicht so sehr in formaler Hinsicht, aber klanglich. Zwar differenziert, etwa in den „Klängen der Nacht“ mit typisch Bartok’ schen Klangwolken, aber das „Pesante“ nicht hart und trocken, sondern auch federnd und dem Klavierklang Raum lassend. Der Einfluss seines Lehrers Adrian Oetiker mag da spürbar sein.

Der zweite Pianist; Boris Giltburg, spielte eine Woche darauf ein Programm, das mit Beethovens „Appassionata“ begann, über Liszt und Chopin dann auch bei Prokofieff, der Sonate Nr. 8, endete. Der 1984 in Moskau geborene Russe erhielt den grössten Teil der Ausbildung in Israel. Er machte durch eine ausgeprägte Klang-lichkeit seines Spiels unmittelbar aufmerksam, bereits bei den ersten Tönen der Beethoven-Sonate. Und er verfügt über eine weit grössere Klangpalette als sein ukrainischer Kollege, hat aber ebenfalls einen ausgeprägten Sinn für die Form und fesselte immer mehr durch eine eigenwillige, aber immer letztlich plausible Gestaltung. Die „leggierezza“ bei der Konzertetüde von Liszt war nicht Haupteigenschaft, sondern im Anfang und im

Nach der Uraufführung eines Oboenkonzertes durch Heinz Holliger und das European Chamber Orchestra (s. Bericht vom 14. August) konnte das interessierte Publikum einen Querschnitt durch das Schaffen des diesjährigen Composer in Residence verfolgen. Ausführende der Werke in verschiedenen Besetzungen war das Collegium Novum aus Zürich und als Solistin die polnische Sopranistin Olga Pasichnyk. Diese betörte in den „Sieben Abgesängen auf eine tote Linde“ die Widmann 1997 als erst Vierundzwanzig-Jähriger geschrieben hat. Es gibt hier wie auch in späteren Werken offenbar eine gewisse Seelenverwandtschaft mit Heinz Holliger, das Hingezogenfühlen zu einer zerbrechlichen oder zerbrochenen Welt. Wobei – und das mag durchaus als kritische Bemerkung gelten – diese zer-

Im vergangenen Jahrhundert war pure

allenfalls noch in durchsichtigen und zerbrechlichen Strukturen untergebracht werden. Klangkomposition kam mehr oder weniger aufgerauht, ungeschliffen und in einer nicht auf Anhieb ansprechenden Geräuschhaftigkeit daher. Schönheit war verdächtig (und ist es immer noch bis zu einem gewissen Grad).

Raffinement, das gefällt

Die „Fieberphantasie“, welche den späten, irren Schumann evoziert, lebt von geräuschhaften Klängen, doch ist in ihnen kaum Hässlichkeit, Schrecken oder Entsetzen auszumachen. Dasselbe gilt eigentlich für die „Freien Stücke“, die in verschiedenster Weise ein grosses Ensemble aus fünf Streichern, neun Bläsern und zwei Perkussionisten fast ausschliesslich Klangfarben und Klang-